De hecho, Ruiz, Larraín y Patricio Guzmán aparecen mencionados entre los directores que han participado en la Quincena en años anteriores en el trailer de este año. Ruiz participó dos veces en la Quincena (en 1972 con “¿Qué hacer”, codirigida, y en 1974 con “La expropiación”), Guzmán tres veces con dos de las tres partes de “La batalla de Chile” (exhibidas en 1975 y 1976), y con “La rosa de los vientos” (1983). Pablo Larraín alcanzó reconocimiento internacional justamente cuando se dio en esta sección “Tony Manero” en el 2008.

Acá, el trailer:

Después de cuatro temporadas y diecisiete meses de espera (producto de un desacuerdo entre los productores y el canal que emite la serie) finalmente este domingo 25 de marzo volverá a emitirse “Mad men” en Estados Unidos, y la expectación por la serie es más fuerte que nunca. Debe ser por lejos la serie de TV mejor escrita del momento, y se puede dar el lujo de retratar con detalle, por ejemplo, el proceso de separación de su personaje principal durante toda una temporada.

Como hablar de “Mad men” da para mucho, precisamente quisimos hablar mucho de la serie y grabamos un podcast con unos amigos para analizar las angustias y éxitos de Don y Betty Draper, el chupamedias Roger Sterling, la matea Peggy Olson, la pechugona Joan Halloway y sus aventuras. Anunciamos que hablamos en libertad y hay espoilers de la temporadas anteriores, en particular del último capítulo de la cuarta temporada.

Los invitados fueron Isabel Plant (periodista de El Sábado y columnista de series de TV de esa revista), y un par de capos publicitarios y de medios que tuvieron harto que decir sobre la serie, Javier Sanfeliú y Martín Vinacur.

Qué más decir: disfruten el podcast tanto como lo disfrutamos grabándolo.

Si las cosas se hubieran hecho bien, recién esta semana se debió haber lanzado el servicio de Netflix en Chile y el resto de America Latina. Después de una larga espera de seis meses (y de varias promesas que no se cumplieron en los plazos), de acuerdo al seguimiento que estuve haciendo en este tiempo recién en estos días Netflix (o “el Cuevana legal”) terminó de agregar subtítulos en español a las principales películas que tenía en su catálogo y que se mantenían hasta ahora solo dobladas al español. En una estrategia incomprensible, la compañía norteamericana Netflix aterrizó en America Latina la primera semana de septiembre del año pasado ofreciendo un servicio ilimitado de películas para ver en el computador o en dispositivos conectables a un TV (como PS3) por 8 dólares mensuales. Sin embargo, a pesar de ofrecer una membresía gratis de un mes, los primeros usuarios quedaron rápidamente decepcionados porque buena parte de la biblioteca ofrecía las películas dobladas al español, pero no subtituladas. Ante las protestas reiteradas de los clientes, que quedaban registradas en los muros de comentarios de las películas, la empresa se comprometió a través de su cuenta oficial en Twitter a agregar subtítulos paulatinamente a la totalidad de su catalogo, primero en sesenta días (no se cumplió) y luego en 120 (tampoco ocurrió). Hoy, cintas muy recomendables como “Enigma de otro mundo” de John Carpenter, “La conversación” de Francis Ford Coppola, “Fuga a la medianoche” de Martin Brest, “Cuerpos invadidos” de David Cronenberg, “Smoke” de Wayne Wang, “Harold and Maude” de Hal Ashby y “Vertigo” de Alfred Hitchcock (que estuvieron por meses sin subtítulos) ya se pueden encontrar con este asunto solucionado.

Por cierto, el catálogo ha ido creciendo paulatinamente, y agregando estrenos recientes y algunos exclusivos de ver de manera legal solo por esta vía, como es el caso de los documentales “Restrepo” y el reciente “Being Elmo”, premiada en el festival de Sundance en el 2011 e inédita en América Latina. También apareció la estupenda “Blue Valentine” (como el título “Triste San Valentín”) y estrenos chilenos como el fenómeno documental del 2010, “Ojos rojos”, sobre el proceso de la selección de fútbol de Chile comandada por Marcelo Bielsa y que fue la película chilena más vista de ese año.

Por lo tanto, por $3.790 mensuales… ahora sí que te estoy creyendo, Netflix.

Esta mañana, a las 9, falleció en su casa de la calle Socos en Ovalle el más grande fotógrafo chileno de la historia, Sergio Larraín Echeñique. No quiero hacer una descripción de su carrera en Magnum, sus excentricidades a la Salinger o de cómo Julio Cortázar fue su amigo y escribió el personaje de Roberto Michel en “Las babas del diablo” basado en él (cuento que luego Antonioni usaría de base para hacer “Blow up”). Acá pueden encontrar una buena descripción de su trabajo y su persona. Solo quiero compartir este video de una pequeña conferencia en que Larraín le reveló sus simples secretos de fotógrafo a su sobrino Sebastián Donoso a través de una carta. Después de la muerte de Raúl Ruiz, la partida de Larraín (aunque ya estaba retirado de la fotografía y recluido como un monje) es el fin de una era de artistas entregados ciega y obsesivamente a su trabajo, y ampliamente desconocidos en lo que verdaderamente importa: su obra.

Acá, foto borrosa de las tres directoras de las películas ganadoras del Tigre (vía @IFFR). Dominga es la segunda de izquierda a derecha:

Acá, foto borrosa del productor Gregorio González boludeando con el premio (via @greggonzn):

Felicitaciones a Dominga Sotomayor. Puede leer sobre ella y la película en un post anterior acá.

El sábado pasado, cuando se supo que dos películas chilenas habían obtenido premios en el Festival de Sundance (las dos chilenas que estaban en el World Cinema Dramatic Competition, “Violeta se fue a los cielos” y “Joven y alocada”) me llamó la atención dos tipos de comentarios que escuché: uno fue que “no ganaron Sundance, sino que ganaron una sección de Sundance”, y segundo, que “ganar Sundance no sirve para nada: solo ganan malas películas”. No son, digamos, comentarios muy enaltecedores, y la verdad, son de esas cosas que solo los hechos pueden demostrar que están equivocadas o correctas.

Sobre lo primero, la World Cinema Dramatic Competition no es una “sección paralela” de Sundance, sino que es una de sus cuatro competencias oficiales, que están divididas en películas de ficción (o Dramatic, como las llaman ellos) y documental (Documentary), y luego para películas norteamericanas (US) e internacionales (World Cinema). Es simplemente ridículo “bajarle el pelo” al World Cinema Dramatic Competition por no ser el US Dramatic Competition, puesto que aunque así lo quisieran las películas latinoamericanas no pueden ir a la competición nacional. Suena de perogrullo, pero de verdad hay que hacer la anotación. Respecto a la expresión “ganar Sundance”, ganar el World Cinema Dramatic Competition es tan “ganar Sundance” como ganar la categoría de Mejor Película Iberoamericana del Goya es… “ganar el Goya”.

Dicho lo anterior, “Violeta se fue a los cielos” ganó Sundance. No “ganó un premio en Sundance”, ni “obtuvo premio en Sundance” como dijo la prensa el fin de semana. Por cierto, tampoco ayuda que en Sundance el primer premio se llame Grand Jury Prize, lo que en muchos cables de agencias fue traducido como Premio del Jurado (y en Chile se publicó como “Violeta gana premio del jurado en Sundance”) lo que efectivamente llama a confusión porque en muchos festivales se llama así a la segunda mejor película que entrega un jurado. De hecho, en Cannes el Grand Prix du Jury es para la segunda mejor película después de la Palma de Oro, que es el premio principal. Pero, bueno, se entiende y no fue el caso acá: “Violeta” ganó Sundance y a riesgo de repetirme decirlo así es tan correcto como decir “La vida de los peces” ganó el Goya. Fin de la historia.

Sobre lo segundo, voy a hacer como Brad Pitt en “El juego de la fortuna”: solo las estadísticas pueden entregarnos datos más concretos. Sundance comenzó en 1984, pero solo desde 1995 empezó a hacer una competencia para películas latinoamericanas, con un jurado propio que los primeros años solo entregaba premios honoríficos y luego pasó a entregar el Latin America Cinema Award. En esa modalidad, las ganadoras entre 1995 y 2002 fueron las siguientes:

1995. Menciones honoríficas: “Águilas no cazan moscas” de Sergio Cabrera (Colombia) y “Frambuesa y chocolate” de Tomás Gutierrez Alea y Juan Carlos Tabío (Cuba).
1996. Menciones honoríficas: “Guantanamera” de Tomás Gutierrez Alea y Juan Carlos Tabío (Cuba) y “Caballos salvajes” de Marcelo Piñeyro (Argentina). Cortometraje: “Madagascar” de Fernándo Pérez (Cuba).
1997. Latin America Cinema Award: “O Sertão das Memórias” de José Araújo (Brasil) Documental. Mención honorífica: “Profundo carmesí” de Arturo Ripstein (México).
1998. Mención honorífica: “¿Quién diablos es Juliette?” de Carlos Marcovich (México) Documental. (Todo indica que el jurado dejó el Jury Prize Latin American Cinema desierto).
1999. Jury Prize Latin American Cinema: “Santitos” de Alejandro Springall (México).
2000. Jury Prize Latin American Cinema: “La ley de herodes” de Luis Estrada (México). Mención honorífica: “El coronel no tiene quien le escriba” de Arturo Ripstein (México).
2001. Jury Prize Latin American Cinema: Empate entre “Amores possíveis” de Sandra Wernek (Brasil) y “Sin dejar huella” de María Novaro (México). Special Jury Prize Latin American Cinema: “Maldito: O Estranho Mundo de José Mojica Marins” de Iván Finotti y André Barcinski (Brasil).
2002. Jury Prize Latin American Cinema: “O invasor” de Beto Brant (Brasil).

México, Brasil y Cuba se llevaron casi todos estos premios. En el 2003, la categoría no se entregó más y derivó a un premio de World Cinema, ya no solo privativo para películas latinoamericanas, y solo con premio del público. Ese año lo ganó “Jinete de ballenas” (Whale rider) de Niki Caro (Nueva Zelandia), y en el 2004 se multiplicó por dos premios de la audiencia, para ficción (que ganó “La grande séduction” de Jean-François Pouliot) y documental (la influyente “La corporación” de Mark Achbar y Jennifer Abbott), ambas cintas de Canadá. Eso fue la transición: ya desde el 2005 el jurado de Sundance entrega los dos premios en la World Cinema Competition: Ficción y Documental. A saber:

WORLD CINEMA DRAMATIC COMPETITION
2005. “O Herói” de Zézé Gamboa (Angola). Único largometraje de su director hasta ahora.
2006. “13 Tzameti” de Géla Babluani (Francia), cuyo director de origen georgiano en el 2010 hizo un remake de esta película en Estados Unidos (“13″) con Jason Statham y Mickey Rourke. Según Rotten Tomatoes, la primera tuvo 84% de críticas positivas, y la segunda, 8%.
2007. “Adama Meshuga’at” de Dror Shaul (Israel). Luego ganaría el premio a la mejor película de la academia de Israel ese año. El director no ha vuelto a filmar desde esta película.
2008. “Ping-pongkingen” (El rey del Ping pong) de Jens Jonson (Suecia). El director no volvió a hacer un largometraje después de esta: solo hizo cortos y ahora dirige y escribe una serie para la TV sueca.
2009. “La nana” de Sebastián Silva (Chile). Luego estuvo nominada a mejor película extranjera en los Globos de Oro del año siguiente, cuando ganó “La cinta blanca” de Michael Haneke.
2010. “Animal Kingdom” de David Michod (Australia). Tuvo un largo paso por festivales, nominaciones y lista de las mejores de ese año. La actriz Jacki Weaver estuvo incluso nominada a mejor actriz secundaria en los Globos de Oro y los Oscar del 2011. Perdió en las dos ocasiones ante Melissa Leo de “El ganador” (The fighter).
2011. “Sykt lykkelig” (Happy happy) de Anne Sewitsky (Noruega). Comedia romántica de una directora que acaba de estrenar otra comedia noruega sobre una chica de 10 años que se enamora. Curiosamente le ganó a “Tiranosaurio” de Paddy Considine.
2012. “Violeta se fue a los cielos” de Andrés Wood (Chile).

WORLD CINEMA DOCUMENTARY COMPETITION
2005. “La forma de la luna” (Stand van de maan) de Leonard Retel Helmrich (Holanda). Segunda parte de la premiada trilogía documental que hizo sobre Indonesia y que terminó en el 2010 con “Stand van de Sterren”. Curioso triunfo: le ganó a dos películas hoy consideradas clásicas del documental: “Three rooms of Melancholia” de Pirjo Honkasalo y “Grizzly man” de Werner Herzog.
2006. “En el hoyo” de Juan Carlos Rulfo (México). Favorita de festivales por un par de años, el hijo del escritor Juan Rulfo (“Pedro Páramo) filmó la construcción de una autopista en México y su efecto en las personas.
2007. “Vores lykkes fjender” (Enemies of happiness) de Eva Mulvad (Noruega) sobre la joven activista afgana Malalai Joya, que fue candidata presidencial de Afganistán antes de los 30 años y recibió presiones y amenazas de muerte. La película sigue su campaña. Mulvad fue premiada en IDFA por esta película y luego volvió al festival de documentales en Amsterdam en el 2010 con “The good life”.
2008. “Man on wire” de James Marsh (UK). Megahit documental sobre Philippe Petit, el hombre que cruzó en la cuerda floja entre las Torres Gemelas en 1974. Terminó ganando hasta el Oscar al Mejor Documental al año siguiente.
2009. “Rough aunties” de Kim Longinotto (UK). Sobre tías que evitan el abuso de menores en Sudafrica. Longinotto es la misma de “Divorcio al estilo iraní”.
2010. “Det røde kapel” de Mads Brügger (Dinamarca). Sobre dos comediantes daneses que les permiten entrar al Corea del norte. No pasó mucho con ella fuera de Sundance, y el director volvió este año a Sundance con “The ambassador” en la misma categoría. Tampoco pasó mucho.
2011. “Hell and back again” de Danfung Dennis (USA/UK). Fotógrafo y camarografo de guerra, Dennis filmó el proceso de los marines para ir y volver de la guerra. Esta película está nominada al Mejor Documental en los Oscar 2012.
2012. “Shilton Ha Chok” (The law in these parts) de Ra’anan Alexandrowicz (Israel). Recién premiada.

Viendo los números así, desde que existe, solo dos películas latinoamericanas se han llevado el premio principal en la World Cinema Dramatic Competition de Sundance, y las dos han sido chilenas: “La nana” y “Violeta se fue a los cielos”. Es más, solo tres películas chilenas han participado en las competencias de este festival, y las tres (donde se agrega “Joven y alocada” de este año) obtuvieron premio (en su caso, Mejor Guión), y en el caso de “La nana”, fueron dos (agregar un Premio Especial del Jurado a Catalina Saavedra por su actuación). Esos son cuatro premios para tres películas. Volviendo a Brad Pitt, y disculpando el chovinismo nacionalista, en estadísticas eso se llama un rendimiento de 133%.

Respecto a la calidad de la películas que ganan Sundance, no es tan fácil formarse una idea si a muchas de ellas no existe acceso, pero sí se puede decir que es irregular antes que malo, puesto que existen ganadoras de Sundace en la categoría internacional con las que pasa poco (directores que nunca más filman), y otras que ganan el Oscar (“Man on wire”), o están nominadas al Oscar (“Animal Kingdom” y “Hell and back again”) o son nominadas al Globo de Oro (“La nana” y “Animal Kingdom”). En definitiva, nada es automático y varía de película en película, pero la relevancia de las películas de la World Cinema Competition definitivamente ha ido mejorando en los últimos años.

Antes de cerrar, y a modo de referencia, estas son las otras películas latinoamericanas que han obtenido premios secundarios en Sundance desde el 2005 cuando comenzaron las World Cinema Competition:

ARGENTINA
- “Cama adentro” de Jorge Gaggero. Premio Especial del Jurado (Dramatic) 2005, junto con “The forest for the trees” de Maren Ade.
- “El hombre de al lado” de Mariano Cohn y Gastón Drupat. Premio de Fotografía (Dramatic). 2010.

BRASIL
- “Casa de areia” de Andrucha Waddington. Alfred P. Sloan Feature Film Prize. 2006.

BOLIVIA
- “Zona sur” de Juan Carlos Valdivia. Dos premios: Dirección y guión (Dramatic). 2010.

COLOMBIA
- “Todos tus muertos” de Carlos Moreno. Premio de Fotografía (Dramatic). 2011

MEXICO
- “De nadie” de Tin Dirdamal. Premio del Público (Documentary) 2006.
- “Párpados azules” de Ernesto Contreras. Premio Especial del Jurado (Dramatic) 2008.

PERU
- “Contracorriente” de Javier Fuentes-León. Premio del Público (Dramatic). 2011.

David Fincher, Alexander Payne y Francois Ozon llegan esta semana a la cartelera y ninguno parece convencer totalmente a los críticos de los diarios chilenos. Los peros vienen por ciertos problemas narrativos en “Los descendientes” (que no comparto) y falta arrojo en comparación con la versión sueca del best seller de Stieg Larsson en “La chica del tatuaje del dragón”. (que puede ser, pero me parece irrelevante). Con Ozon hay más valoración por la soltura de su comedia en “Mujeres al poder” con la dupla emblemática del cine francés: Catherine Deneuve y Gérard Depardieu. Además, llega la inesperada versión fílmica de “Don Gato y su pandilla”, hecha por un estudio mexicano de animación, y que fue la película mexicana más vista en ese país el año pasado.

LOS DESCENDIENTES (The descendents) de Alexander Payne:

• Antonio Martínez, Wikén: “La película se sostiene sobre la vitalidad y ritmo (de las canciones de Hawai), y en definitiva sobre la mirada del director Alexander Payne, que sigue el compás con el pie, tararea una canción polinésica y cuenta una historia con el encanto de lo pasajero, lo alado y lo nimio”. (4 de 5)
• Pablo Marín, La Tercera: “(Payne) parece construir la dramedia perfecta, pródiga en incidentes reveladores, en secundarios oportunos y en conexiones nada evidentes que hacen toda la diferencia. (Pero) la sobreguionización, temible enemigo, impide a Los descendientes ser la tremenda película que pudo llegar a ser”.
• Ana Josefa Silva, La Segunda: “Va perdiendo el nervio en las secuencias del tercio final” (INTERESANTE, 5 de 8).
• Gabriel Bahamonde, LUN: “Rica en emociones” (BUENA 5 de 7)

LA CHICA DEL DRAGON TATUADO (The girl with the dragon tattoo) de David Fincher:

• René Martín, La Tercera: “El conjunto nunca logra despegar del todo y a ratos parece el piloto de una serie de HBO. De un director como Fincher se esperaba más carácter, urgencia y genuino arrojo. Aquí no lo hay”.
• Andrés Nazarala, La Segunda: “A diferencia de la cinta sueca, el relato policial no avanza aquí con tanta fluidez (…) Aquí lo sombrío tiene algo de efectista”. (INTERESANTE, 5 de 8)
• Ernesto Garratt, Wikén: “Fincher logra expandir su imperio acerca del mal (su principal obsesión) en esta original muestra de naturaleza muerta: un exposición de perfectas secuencias de suspenso, acción y drama”. (4 de 5)
• Gabriel Bahamondes, LUN: “Las tres horas que dura casi ni se sienten en medio de un viaje hipnótico, lleno de personajes siniestros con pasados secretos”.(BUENA, 5 de 7)

MUJERES AL PODER (Potiche) de Francois Ozon:

• Andrés Nazarala, La Segunda: “Una comedia de estética kitsch (está ambientada en los 70 y parece haber sido filmada en esa misma década) que mira hacia el melodrama con soltura y actitud” (ENTRETENIDA, 4 de 8).
• Daniel Villalobos, La Tercera: “(Ozon) es una especie de Tarantino francés, un camaleón cuya pericia técnica y buen gusto esconden su general ausencia de ideas propias (…) A veces una película florece sobre la sencillez de sus actores a contrapelo de la ambición de su realizador, y aquí tenemos un caso de manual” (ENTRETENIDA, 4 de 8)
• Leopoldo Muñoz, LUN: “Se destaca que el cineasta se burle de derechas e izquierdas con igual intensidad al definir que en la naturaleza humana lo que prima por sobre cualquier ideología es el yugo del erotismo (…). Su ironía y sofisticación plástica eleva a esta comedia a una categoría superior a lo que habitualmente ofrece nuestra cartelera” (BUENA, 5 de 7)
• Ernesto Garratt, Wikén: “Obviando un discurso feminista muy caricaturesco, esta cinta tiene gracia, nostalgia, y el placer de ver juntos de nuevo a Deneuve y Gérard Depardieu (…) Un agradable y pequeño placer burgués”. (4 de 5)

DON GATO Y SU PANDILLA (Top cat) de Alberto Mar:

• Gonzalo Maza, La Tercera: “Como artefacto de nostalgia sirve, pero es un misterio si los niños actuales enganchen”.
• Andrés Nazarala, La Segunda: “Suerte de capítulo extendido de la serie que conserva su mismo trazo (ahora en 3D) y toneladas de humor blanco que será capaz de reunir a adultos nostálgicos y niños en la misma sala”. (ENTRETENIDA, 4 de 8)
• Gabriel Bahamondes, LUN: “Una historia de corte familiar fresca, liviana, dinámica y que en términos cómicos funciona en su justa medida”. (INTERESANTE, 4 de 7)
• Cristóbal Marín, Wikén: “Con un nivel de animación bajo, esta película funciona gracias a sus entrañables y divertidos personajes y supera, pese a sus defectos técnicos a otras adaptaciones de Hanna-Barbera cargadas de millones de dólares”. (3 de 5)

Escribí esta columna de análisis de las nominaciones del Oscar. Apareció en La Tercera de hoy.

Oscarizados

Algo muy particular se producirá en los premios de la Academia de este año: las dos películas que más nominaciones congregaron (“The artist” de Michel Hazanavicius y “Hugo” de Martin Scorsese) se reflejan una a la otra: la primera es una película francesa que recuerda con nostalgia la época dorada del cine mudo norteamericano y la segunda es una película norteamericana que recuerda con nostalgia a un maestro del cine mudo francés, Georges Méliés. Sea cual sea la ganadora, el mensaje parece ser que en una época como la actual, sobretecnologizada y donde las técnicas de marketing y su influencia sobre las historias que se cuentan han llegado hasta el paroxismo, la construcción de una memoria más artesanal se hace presente al momento de los premios. Ya se sabe: Hollywood no premia ni directores ni películas en los Oscar: Hollywood premia a Hollywood y se felicita a si mismo en la pasada.

Pero no todo es amor, sino más bien lo contrario: la campaña del Oscar es una guerra. Casi podríamos decir que es una lucha de grandes maquinarias como las que podían verse en los cielos de “Transformers 3”. Grandes estudios y sus departamentos de marketing saldrán a las calles a convencer a los miembros de la Academia sobre la nobleza de sus estandartes: a la lucha de la mejor película (donde que hay que considerar además de la dos mencionadas a “Los descendientes”), la peleas fieras se darán por Mejor Actriz (Meryl Streep versus Glenn Close), Actor (Clooney versus Dujardin), Director (Malick versus Allen ¡versus Scorsese!).

Nadie tiene la carrera ganada, pero varios son los que ya pueden dar la carrera por perdida. Fincher por “La chica del dragón tatuado”, Spielberg por “Las aventuras de Tintin”, y las favoritas de festivales “Drive”, “Shame” y “We need to talk about Kevin” solo tuvieron menciones secundarias. Solo dos canciones compiten por el Oscar a Cancion Original, otra rareza. La industria ha vuelto a dictar sus favoritismos. Ahora veremos qué sale de todo esto.

Gonzalo Maza

Cuando en agosto de 2010 ocurrió la tragedia de los mineros atrapados en la mina San José en el desierto de Atacama, Eduardo Bertrán llegó a los pocos días como parte del equipo del gobierno de Sebastián Piñera para registrar lo que ahí estaba pasando. Eso tenía beneficios (el acceso privilegiado donde otras cámaras no podían llegar) y problemas (bueno, venir a filmar de parte del gobierno). Finalmente, lo registrado ahí se transformó en un documental dirigido por “el Edo” y su tío Reinaldo Sepúlveda quien se hizo mundialmente famoso precisamente por haber sido el encargado de la transmisión televisiva del rescate el 12 y 13 de octubre de ese año, transmisión que se calcula fue vista por mil millones de espectadores en todo el mundo.

Desde hace un par de días y sin mayor anuncio oficial, el documental existe: se llama “33″, dura 76 minutos y está disponible para ser visto íntegro en Vimeo. Solo en sus primeros tres días ya tuvo nueve mil visitas. Como documental, tiene el ego bajo control: no hay voz en off, las apariciones de Piñera son las justas, a veces incluso quizás peca de modestia. Tiene un valor en mostrar los momentos claves (cuando Golborne se quiebra ante los familiares, cuando se enteran que los mineros están vivos) sin demasiado montaje, y sin el ruido con que se conocieron esas imágenes cuando se vieron en los noticiarios. Volver a ver y revivir esos momentos es interesante porque la emoción permanece intacta. En otros momentos hay descubrimientos, como escuchar a Golborne decir “Si esto es un momento histórico, hueón” o lo que grabaron los propios mineros bajo tierra, que es simplemente desgarrador. Ya se pueden discutir otros aspectos, pero para hacerlo primero vale la pena verlo. Por cierto, está licenciado vía Creative Commons y eso autoriza a bajar el documental y reproducirlo (sin comercializarlo) con toda libertad. Buenísima iniciativa.

Redención por secretaría

Es temerario hacer “un caso” contra Clint Eastwood, quien indiscutiblemente está en el selecto puñado de los maestros del cine norteamericano. Eastwood es casi una iglesia: entrar a sus películas es ingresar a un templo donde la espiritualidad puede sentirse en las pausas y los silencios, pero sobre todo en la magnitud de estar ante una tradición mayor que sus cintas encarnan y remiten: la del cine más clásico de Hollywood.

Eastwood a veces parece cristiano y otras presbiteriano; a veces su moral es hawksiana y otras fordiana. La verdad, parece interesado en resumir todas las nociones de trascendencia espiritual y cinematográfica. Sin embargo, es precisamente este deseo la más rasposa sensación de descrédito que terminan provocando sus últimas películas.

Es inevitable notar que Eastwood ya lleva al menos unas seis o siete cintas insistiendo en dos ideas moralizantes, como si la cercanía de la muerte obligara a dejar recados antes que obras. La primera es que el sacrificio de individuos por causas colectivas mayores es una especie de redención (¿cristiana?) que además tiene una utilidad: puede crear conciencia política o social en los otros. Podemos ver esto en la cama de hospital de “Million dollar baby”, en el acribillamiento de “Gran Torino”, pero también en esos personajes cercanos a la muerte que se ven insuflados por un hálito de sabiduría inesperada (“Invictus”, “Más allá de la vida”). La segunda idea, más ramplona, podría llamarse “respeta a los viejos” porque, antes que todo, son los depositarios del conocimiento humano. Da lo mismo lo que digan o hayan hecho: un viejo eastwoodiano es por definición injuzgable.

Que ambas ideas se pongan hoy sobre la cuestionada figura de J. Edgar Hoover, el más fiero manipulador de la política norteamericana por medio siglo, no da para criticar políticamente a Eastwood (que siempre ha sido de derecha) pero sí para poner en cuestión su idea de trascendencia. En el músculo narrativo, Clint Eastwood sigue siendo un maestro (la película vuela), pero la reflexión que quiere convocar esta vez se siente muy predecible, quizás por contraste con sus héroes anteriores: la redención de los innobles nunca puede ser tan automática.

La película insiste con la idea de que Hoover no terminó de conocerse a sí mismo sino que hasta los últimos días (por favor, si no se ha visto la película, saltar hasta el párrafo siguiente porque en las siguientes líneas se incluye información importante sobre la trama). Cuando joven, Hoover coquetea con una mujer que lo rechaza pero que se vuelve su fiel secretaria hasta el final; luego, su homosexualidad latente no parece nunca asumirse, aunque vemos cómo es él quien invita a su amigo (y subordinado del FBI) Clyde Tolson a compartir una habitación de hotel, para luego reaccionar violentamente cuando este intenta declararse. Finalmente, es en la habitación de su madre muerta donde Hoover pareciera finalmente entregarse a ser él mismo, en una secuencia en que se prueba un vestido de su madre y se mira al espejo, lo que está filmado con énfasis emotivo por parte de Eastwood: esta vendría a ser la escena índice de la película. Hoover, que no había sido capaz de aceptar su pulsión homosexual hasta este momento, se libera, es un hombre más completo, ya no estaría atrapado por las convenciones sociales. Esta revelación que tiene Hoover no cambia en un ápice su postura respecto a su rol como jefe del FBI, donde hasta el último minuto extorsionó a quien se pusiera por delante para llevar a cabo su ideal de nación, expuesto con detalle durante el metraje de la película, y que queda para siempre guardado bajo siete llaves en sus archivos hasta hoy secretos.

Para Eastwood lo verdaderamente trascendental que puede hacer un hombre es dejar un legado intangible en los demás, que puede ser un acto de justicia (“Los imperdonables”, “Río Místico”) o una especie de conocimiento (a veces, en una película como “Los puentes de Madison”, una verdad desconocida) que en definitiva hará bien a la comunidad. Sin embargo, no todo legado ni conocimiento humano tienen el mismo efecto: la redención no es un trámite por el que se pasa inevitablemente cuando se acerca la muerte. Lo trascendental no puede llamarse una y otra vez como si se tratara de un ritual que puede repetirse cada año. Con suerte, ese momento cinematográfico en que somos testigos de aquello que está por encima de los vivos se alcanza en un par de momentos de la historia de un cineasta: Eastwood ya podría quedarse tranquilo por haberlo alcanzado en “Cazador blanco, corazón negro” y en “Los imperdonables”, donde los personajes viven procesos complejos de autoconocimiento que no se resuelven en solo una escena de carga simbólica (Leonardo Di Caprio con vestido) sino que en una travesía más concreta e inesperada.

Una fijación de este tipo es comprensible, pero no está a la altura del cineasta maduro y de mano firme que ya es. Sencillamente, este parece ser un laberinto del que es mejor salir para no volver a extraviarse.

Gonzalo Maza